大家可以尝试一些有趣的活动，比如读书、旅游、参加社交活动等，以充实自己的生活。写总结时，要注意事实准确、条理清晰、言简意赅。接下来是一些总结范文，希望对大家的写作有所启发。
音乐美学声乐艺术论文篇一
这类内容具备一定程度的主观性色彩。首先，绘画性内容，顾名思义，就是配合人的听觉感受来呈现出种种画面，使旋律、音响等转化成为线条、色彩，令音色成为一种时尚造型，进一步丰富听众的音乐世界。其次，文学性内容，存在于创作者的音乐表现还有听众的主观想象当中，其涉及过程、冲突、情绪三个层面，需要创作者借助节奏、音响等细节变化，来进行文字化的抒情表达，配合音乐主题来模拟对应的现实情境和情节，并使用某些音调来演绎出一系列事物等等。
音乐美学声乐艺术论文篇二
流行音乐以其极具魅力的特点，给传统音乐、音乐审美理念以及音乐创作理念等方面带来巨大的冲击。其不仅使我国音乐的格局发生的重大变化，也对我国文化产生了重大的影响。一种文化能够得到有效流传，必定有其存在的价值，因此，对中国流行乐的美学特质以及审美意义进行研究，具备非常重要的意义。
（1）审美内容人性化。
流行乐是对比于传统音乐而言的，我国流行乐真正流行时间大约在改革开放这段时间。在改革开放前，人们受到集体文化影响，讲究以集体为目标实现个人的价值。后来随着流行音乐逐渐融入人们生活，也让人们的个体意识以及个性得以彰显，也可以说流行音乐改变了人们的集体意识的审美观念，使人们的审美内容更趋向于人性化。以公众的角度来看，人们在社会中的生活，难免遇到困难，导致其对生活的状态进行思考，而流行乐几乎涵盖了所有范围的情感，使受众的感情得以宣泄，尤其在爱情方面，流行乐中涉及爱情的歌曲，从各个层面、多种视角进行解读，也能够证明流行乐更为贴近生活，趋向于人性化。此外一些流行乐作品涉及一些人性话题，会通过对生存环境、社会一些重大事故进行反思等。例如：歌手韩红演唱的歌曲《天亮了》，便反映了一场缆车事故，在歌词中体现出父爱、母爱的伟大，带给人们深深的感动，这便是流行乐人性化的体现。
（2）审美包装时尚化。
在流行乐的引导下，人们的生活品质、审美能力以及对美的需求得到提升，也更加注重对美的追求，这便是时尚的来源。流行乐作为人们时尚的引导者，随着人们审美标准的提升，也得到有效提升，而流行乐创作人涌现出一个又一个脍炙人口的流行歌曲，也让流行乐逐渐渗透到人们的各个环节，而其中一些具有代表性的演唱者逐渐为人所知，这便是明星的来源。当明星与时尚结合，广阔的舞台、梦幻的灯光、浑身散发着时尚气息的绚丽着装，无一不紧紧抓住人们的眼球，不仅在音乐方面让人们情感得以宣泄，而且在视觉上给人们带来强烈的冲击，因此，流行乐作为时尚的引导消费产品，不仅引领时尚潮流，也是审美包装时尚化的代表。
（1）提高了人们对音乐的审美能力。
以往的大众音乐中，人们往往作为听众，静静聆听表现者宣泄个人情感，对于一些喜欢安静的人来说，这种聆听方式是享受，但是很显然这种方式并不适合大众审美。随着人们观念不断改变，如今音乐文化逐渐从聆听转变为通过各种方式宣泄所有人的情绪，如某歌星演唱会，万人共同演唱，这种震撼，让所有观众产生一种参与感，不仅能够宣泄个人的情感，还能帮助自己喜欢的歌星完成一首曲目。這种对于音乐欣赏观念性的转变，深化了大众对于音乐的理解，使人们对音乐拥有更为直观的感受，从而让所有人对音乐的审美能力得以体现。此外，一些ktv的推广普及、大型音乐竞技类节目如《中国好声音》的出现、唱歌软件如《唱吧》的流行，都为人们提高音乐的审美能力，提供了便利条件，也让人们在宣泄个人情绪之余，对音乐的好坏具备一定的辨析能力，使大众对于音乐审美领域从自在审美变成自我审美[1]。
（2）体现了音乐的人文精神。
在过去，高雅严肃的音乐，并不是所有人能够享受的，而随着流行乐的流传，音乐逐渐趋向于大众化。流行乐起点的核心非常明确，就是为了满足大众需求以及为大众娱乐而创作，因此，流行乐具备浓重的人文精神和平民化色彩。也因此，音乐从高雅的传统音乐逐渐转变成为所有人能够接受的流行乐，才是体现出音乐人文精神的主要原因。而且最主要的一点便是，其依靠极为张扬的个性、具有时代意义时尚色彩的审美以及一些对于生活、社会问题具有批判性的歌词，都在冲击人们的主观意念以及其原本的社会价值观，从某种程度上讲，流行乐也可以作为人们批判传统的有利武器，在社会价值中，其发挥的作用远远超过其本身的音乐价值，这也是音乐的人文精神主要体现。
综上所述，中国流行乐从出现，为人们宣泄情感提供了一条便利途径。根据本文分析可][知，作为大众生活需求中必不可少的存在，也为人们提供了便利条件，所以，基于中国流行乐的优点，将其发扬光大，最终成为世界音乐文化中最为重要的一个部分。
[1]王磊，李建林，魏玲，秦庆昆，王江奇，李慧敏。中国流行音乐的美学特质及审美意义[j].河北大学学报（哲学社会科学版），2007（05）：106-110.
音乐美学声乐艺术论文篇三
音乐美学作为一项独立的学科内容，具有较强的抽象性和哲学意义，因此一直以来被相关领域所关注和钻研。本文旨在阐明音乐美学的概念、表现形式、相关的音乐内容，并在此基础上结合实际分析音乐美学角度下音乐艺术表现形式的实现路径，希望借此引导大家更加深刻地了解、学习、欣赏、传承音乐艺术。
音乐美学，顾名思义，融合了音乐、美学等诸多内容，具备较强的美学和艺术性特征。为了更好地了解不同音乐作品的存在和表现形式，方便日后进行传承发展，音乐美学开始成为广大学者专家深刻关注的话题。具体方法就是及时透过美学层面去挖掘和定位不同音乐作品的存在、表现形式，自觉加深对音乐理论知识和表演实践的融合效果，在吸引更多人关注的同时，提升学习者的审美素质。至于音乐美学角度下音乐艺术具体的表现形式，则主要会在后续深入延展。
相对于其他音乐学科来讲，音乐美学具备一定程度的哲学性、艺术性特征，主张针对不同音乐作品的艺术规律加以精准性把控，拥有自身特定的研究对象和涉足领域，拥有较强的概括性和抽象性效果[1]。除此之外，音乐美学在国内来讲还是比较新颖的，但实际上其很早就由德国哲学家鲍姆嘉通总结阐述，主要收录在《论音乐美学的思想》着作之中，并且持续到十九世纪后由德国音乐学家里曼再次补充拓展，《音乐美学的要义》作品正式问世，音乐美学也正式作为一门学科而独立存在、深入发展。
首先，音乐形式的基础性要素莫过于表情，其存在意义甚至超过单纯的音乐声音，在音乐表现过程中占据着主导地位。透过音乐艺术层面审视，这部分表情强调借助音响元素来呈现出创作者不同阶段特殊的情绪状态，对应的表现形式包含了高低、长短、快慢、强弱等区别，经过这些形式有序地搭配融入之后，能够赋予整个音乐艺术作品更强的灵活性，保证基于人差异化的情绪状态来生动性抒发对应的感情。
其次，音色亦属于情绪表达中不可忽略的要素。古往今来，诸多作曲家都在热心钻研如何利用乐器来展现各式各样的音色，特别是对于近代音乐来讲，这类现象尤为显着。如许多作曲家决心对传统乐队予以创新形式的调整排列，以求在开发出更加特别的音色基础上，呈现出一类极为新颖、奇特、美丽动人的音响效果，进一步使人的情绪得到深入性、完整性、精准性的表达。
音乐形式的要素还包括组织方式，如若缺少了它，将难以构建完善的音乐结构框架。这就需要表演者适当加入和融合一些特殊的旋律、和声、曲式、作曲技巧、十二音序列等要素，呈现出独特的整体架构。
这类法规属于音乐要素和组织方式衔接的重要媒介，属于人们经过长期审美活动之后，针对现实生活中的不同美感形式加以概括的结果。毕竟广大艺术家们在参与美感体验、创造等活动时，还是需要依靠一些基础性法则加以规范引导的。归根结底，音乐和绘画、雕塑等艺术有着明显的差异性，其绝非单纯地将一些美感要素进行整体、直观地呈现，而是主张有序地规划不同音响的排列次序，使人们在聆听旋律的同时感受到一种和谐美[2]。因此，时间对于音乐这类艺术的表现形式来讲极为重要，当音乐组织技巧在特定时间段内呈现过后，会令听众及时体验到音乐的延续性效果。在此期间，音乐时间和现实时间截然不同，而是作为一种虚化的时间序列而存在。
从本质角度分析，音乐运动属于某种心理活动；而从物理学层面解读，声音产生的根源在于物体的振动现象，正是在一个声音消失而另一个声音接连出现过程中，才形成了整个富有想象力的音乐作品，再经由一代代人传承记忆和完整再现。
在音乐艺术中，音乐性内容涉及情绪、风格、精神三类特征。第一，情绪作为音乐内容中表层的部分，听众能够透过感官来直接体验，进一步把握现场传达的整体氛围效果。第二，一类音乐内容的风格体系，往往不需要理性因素作为支撑，而是要配合听众当下的心情和理解方向进行确认。如若说情绪影响着音乐作品的格调，那风格体系便决定着这种格调的类型，两者维持着一定的阶级关系。第三，精神属于音乐内容中最为高层次的部分，是创作者在特定社会背景下想要抒发的思想情感，包括对现实生活的反思还有创作的主旨。音乐的精神内容单纯配合专业技能始终不能全面、准确地认证，毕竟其是一种高级的审美活动与产物。
这类内容具备一定程度的主观性色彩。首先，绘画性内容，顾名思义，就是配合人的听觉感受来呈现出种种画面，使旋律、音响等转化成为线条、色彩，令音色成为一种时尚造型，进一步丰富听众的音乐世界。其次，文学性内容，存在于创作者的音乐表现还有听众的主观想象当中，其涉及过程、冲突、情绪三个层面，需要创作者借助节奏、音响等细节变化，来进行文字化的抒情表达，配合音乐主题来模拟对应的现实情境和情节，并使用某些音调来演绎出一系列事物等等。
首先，音高的控制。结合我国民族民间音乐发展史来看，为了紧跟音乐变化发展的趋势，就务必及时挣脱大小调体系的约束，创造出更加宽阔的音乐语言空间之余，使音乐表现力和听众的听觉感性特征持续增强，从而自主加入到现代音乐探索队列之中。在此期间，凭借理性设计作为核心的音乐构成模式，更加有助于激发出听众对音乐的感性想象力，增强音乐作品音响的感染力。因此，要想在音乐表现中遵循音乐美学，就要先学会平衡表达理性和感性的关系，准确控制音高。
其次，节奏的把握。现代音乐在节奏表现层面应该要学会突破传统音乐的约束，想方设法赋予音乐艺术超强的感染力。不仅仅要加入一些鲜活的节奏，同时还应该在节奏衔接上保持一定的跳跃性、灵活性、动态性特征，进而为增强整个音乐作品的表现张力奠定基础。需要注意的是，音乐节奏把握上同样存在理性倾向，那就是在保证和传统音乐节奏有所区分之外，还应顺应大众的审美需要，切不可盲目越过大众听觉感受的范畴，否则会严重削减作品整体的审美效果。
最后，音色的处理。音色同样随着音乐艺术持续变化发展，如今已经随着各类乐器的使用，慢慢越过民族的界限，成为音乐作品中自由使用的元素。但是，总有些人过分追求音色的多元性，不能协调各个音色之间的关系，到头来不仅没有赋予音乐作品流行的推动力，反而破坏了收听效果，因此合理使用音色应该得到创作者们的重视。
第一，音乐作品的创作，实际上就是结合生活体验来进行乐谱记录的过程，许多艺术家习惯于结合丰富的生活体验和完善的构思，来将头脑中的种种思想透过音乐细致地传达出来。在此期间，要注意搭配好音乐作品的曲式还有旋律，这样才能确保作品问世后是独一无二的。由此看来，音乐艺术的创作和表现，需要经历非声音形态的表现对象选择、声音形态的听觉对象匹配、作品乐谱的形成等环节，任何环节都不可忽略。
第二，在进行音乐艺术表演期间，能够清楚地感受到其存在模式。表演者想要充分展示出一些音乐作品独特的艺术效果，就要先读懂乐谱，在经过深思熟虑之后，将各类音乐符号转变成为和谐的声音形态，再配合相关乐器和演奏技巧进行优美的呈现。所以说，在音乐表演期间，音乐艺术的存在形式由音乐符号、想象的音乐形象，转变成为现实的音乐作品。
第三，音乐作品欣赏环节中，听众会自觉地对当中的旋律、节奏进行整合，借此加深对音乐作品还有艺术的了解认识。在此期间，听众群体正经历着想象作品、加深情感体验、形成认识结果、做出综合评价等过程。
音乐艺术作品属于一类有机整体，经过了审美和非审美式的整合处理。特别是在同一作品当中，这类融合更加有倾向性。譬如一些轻音乐或是抒情曲艺术作品，重点凸显审美价值，却对一些非审美价值进行弱化处理。现代音乐艺术展现形式更加注重审美、非审美价值的自然融合，毕竟只有两者高度统一之后，音乐作品才显得更为优美动听且富有内涵。归根结底，就是借助特殊的审美滤镜，来将一些科学知识、道德价值观等非审美价值要素巧妙地穿插进去，使得音乐作品本身的魅力增强、内涵更加丰富。
另外，保持音乐艺术内容和形式的统一关系。完美的音乐艺术作品，其内容和形式往往彼此关联缜密，相互契合[3]。事实上，音乐艺术作品在内容上显得比较独特，主题明确，而为了更加精准、完整地表达这部分音乐内容，就要求适当的音乐形式作为支撑。所以说，许多创作家都习惯了基于内容和形式的依存、制约关系来展开补充式创作，利用音乐形式把控着音乐内容的描述，配合音乐内容锁定音乐形式的筛选方向，不至于在表现过程中出现情感突兀、节奏紊乱等不良现象。
综上所述，基于音乐美学视角来细致性解析音乐艺术的形式和内容过后，还需要协调把握它们之间的联系、制约关系。作为广大听众群体，在进行各类音乐艺术作品欣赏过程中，不仅仅要关注其外在表现形式，还应该深入性钻研其核心内容。同样地，作为音乐创作人员，也应该在充分调查了解听众们的兴趣偏好基础上，处理好音乐作品的表现形式和内容的关系，做到及时透过整体进行创作梳理，促进作品在内容和形式上的和谐融合状态。长此以往，帮助更多人科学认识和准确把控音乐美学的基础性规律，提升大家的艺术表现力和审美素养，促进我国音乐艺术的繁荣发展。
音乐美学声乐艺术论文篇四
通过人发出的声调再加上语言并用人们的歌唱表演表达出对音乐情感和音乐性质的艺术形式，被称之为声乐艺术。可是作为艺术与实践的结合体，现代音乐美学却呈现了一种复杂的状态，这并不是几天功夫就能学得会的。现代声乐表演艺术也在得到了现代音乐美学的帮助下，变得更加赋有现代性魅力。所以，对于二者的结合是未来声乐艺术发展的一种趋势，只有将二者更好的进行融合，声乐艺术才能得到更好的发展。
随着时代的发展，人们的审美水平也在不断的提高，相应的对音乐表演就有了更高的要求。这就需要表演者能在演奏音乐时，将自身的灵魂与想要表达的请看全部注入到自己的音乐作品中，让音乐也能赋有灵魂。而这说来简单，对于表演者来说就是相当困难的。表演者必须要有扎实的音乐素养以及对艺术有独到的见解。可是音乐的本身是不存在表达力的，这需要音乐家成为一个桥梁，将表演和音乐进行充分的结合。不仅如此，抛开音乐不谈，乐器的伴奏也是重要的道具。演唱者会利用歌唱与乐器来将自己内心的情感进行抒发，音乐的表演是游走在创作与欣赏之间的一种存在。因为每个人对音乐都有不同的观点和想法，这也是为什么今天的音乐世界会如此的异彩纷呈。灵感不同创作感觉就会不同，即使是一件作品也会被风格感较强的两个创作者变得好不相同。总而言之，音乐各种形式的表演都属于音乐美学的一部分，而前者在后者的基础上进行者音乐效果的传递。
（一）音乐美学现象学理论是音乐创作的重要理论指导。
就现代音乐美学的发展上来看，现象学美学绝对称得上是重要的内容。早在二十世纪九十年代，音乐家罗曼就曾发表过关于现象学美学的相关论文，此论文的发表，也为日后对其的研究有了更加详细的理论基础[1]。不仅如此，罗曼还在这篇论文中说明了哲学的客观性与主观性，前者是与人的意志无关且不受意志影响的；而后者则是依附于人的意识而存在的，而且也是意志发生一定变化时，会产生变化进行转移的。对于音乐美学的现象学研究时，主要是从主观性这一方面进行研讨的。哲学现象时有哲学家胡塞尔第一次提出的，不仅如此，他还是罗曼的教师，所以会对罗曼产生较大的影响。正所谓艺术是人类最高层的精神文明，声乐作为它的一部分，更是一种艺术性极强的艺术形式。对于声乐表演艺术的创作要始终将人类的意志作为核心。这种艺术形式的创作就是为了满足广大人民群众的需求，优秀的艺术家时刻都会这样想，并获得人们的深切喜爱。每个时代的声乐表演艺术都是具有一些明显特征的。在我国二十世纪六七十年代，音乐的特征就是革命歌曲，旋律多以斗志昂扬为主；而到了改革开放时期，由于西方舶来品的日益增多，人们开始追求个性化，这时期的曲风更加具有多样性，呈现了一种百花齐放的状态。从中我们也快可以看出，音乐的创作是离不开人们的意志的。因此，在现象学理论被提出之后，音乐作品的创作变得有了理论依据[2]。
（二）在声乐表演“同一性”中对现象学理论的应用。
现象学音乐美学将“同一性”解释为是具有特异性的。其中说到，剧本与乐谱是声乐表演的两大参照物，且剧本与乐谱是两种可以独立的个体。简单来说，演奏者按照乐谱来进行乐曲的演奏，每个人会因为个体间的差异而让与乐曲有不同的感觉，且差异性也很明显[3]。对于这个问题，相关音乐家们也做出了讨论。在众说纷纭的情况下利用现象学美学就能对此问题加以解决。结论中说道，乐谱从某种程度上讲是对创作与表演的一种记录形式，可是人类作为一种独立的个体，具有相当强的灵活性与多变性，这是随着意志与需求进行改变的。而且相同的音乐作品也会出现演绎上的差异，演唱者在保留了作曲家原有的精神下，将个人感受融入到歌曲当中，就会形成很强的个人风格。就用《我爱你祖国》这首歌为例，这首歌就曾被很多演唱者演绎过，每个演唱者都会呈现出不同的感觉，其中让人印象最深刻的就是叶佩英老师曾经演唱过的版本，相当富有艺术色彩又充满爱国热情，让人印象深刻[4]。还有，呼斯楞演唱的《鸿雁》，作者实在不舍兄弟之间情谊以及思念家乡时所写下的歌词，作品中“天苍茫，雁何往，心中的是北方家乡”就是对家乡的思念。这些独特的演唱都让人们感到印象深刻。
随着时代的发展，现代美学也进行了一定程度上的发展，出现了许多新的分支，在这其中就有释义学，虽然它是发展中才形成的，但是也为现代美学发展带来了生机与血液。很多人一直以为狄尔泰是提出释义学美学的第一人，因为它不仅将历史进行了最大程度的真实还原，还将历史进行了一个客观的解释，可是对于声乐表演艺术却只字未提，没有涉及。释义学美学在不断发展下，已经在二十世纪被正式纳入了音乐的表演艺术中。而完成并开创这种形式的则是克莱茨施玛尔，在其大力的推进下，声乐表演艺术也靠着释义学美学得到了快速的发展[5]。另外，当时的声乐表演也非常具有时代性，与当时的社会背景与时代风气能够很好的加以融合。可是由于当时一些不可抗力与其他因素的影响，让此种音乐并没有深入到音乐的本质当中。一直到伽达默尔提出了具有深刻性的音乐作品，才让释义学美学的相关作品，开始受到人们的喜爱。
现在关于现象学美学的研究者们认为，在现象学美学研究的所有对象中，都有一个共同的特点，就是意向性非常强，当然艺术作品本身就是一个意向性较强的事物。这种情况，就会为表演者的表演提供了难度，表演者不仅要有扎实的音乐基本功，还必须具备丰富的艺术创造性以及历史知识。这样才能完成一次对声乐作品合理的二次加工，然后将这部艺术作品尽可能的进行合理修改，让其可以发挥它的最大意境，从而完美的展现在广大的观众面前。
音乐作品的存在状态相对特别，它是一种非语义性的存在，却又蕴含着无比丰富的寓意。表演者在进行声乐表演的过程中，不仅要将自身的情感抒发出来，更要将作品本身的意义进行最大化诠释。在这方面，如果用现代美学的眼光来看，声乐的表演并不是对乐谱的呈现，而是要给作品第二次生命，将自己的情感与心情全部都寄托在作品中，让观众能够深刻的进行感受。
综上所述，现代音乐美学派系较多，而最为主要的两部分也就是现象学与释义学两种学派，声乐表演艺术的发展就是通过对这两种学派的理解和延伸，并保证了长久的音乐发展道路。现在是新时代，对于声乐音乐需要更多不同的声音，不同的思想，年轻的音乐人不应该将自己的思维局限于乐谱和乐器中，因为那些都只是你创作的工具，真正的主人是你自己。只有现代风格浓厚的创新性音乐才能得到长足的发展，将现代音乐美学完美的融入到声乐当中，才是发展的硬道理。
[3]刘承华。中国古代声乐演唱美学的历时性展开——从《师乙篇》到明清“唱论”的历史演进轨迹[j].南京艺术学院学报（音乐与表演版），2015,(2):7-14.
音乐美学声乐艺术论文篇五
可能是因为妈妈喜欢音乐的缘故吧；可能是因为我从小就受着音乐的熏陶吧；可能是因为音乐总能缓解我内心的疲劳吧，所以，我也是从小就对音乐充满热情。
音乐就是我心中的春天。
有一个周末，原本以为可以好好休息，可妈妈却早早地来叫我起床。我心中的委屈便在四周蔓延开来。床就像被一个巫女施了咒语一般，我才坐起来，便有一股强大的力量又将我掰了回去。克服了重重困难，我终于从床上“爬”了下来。
我刚刚起床，妈妈便又让我背书，还一边嫌弃着我起床速度慢。我终于气不打一处来，所有的委屈愤怒都集中到了一起，忍不住对妈妈吼道：“你说什么啊？大早上起来，就说说说说说！烦不烦啊？”顿时，妈妈就像泄了气的气球，看了我一眼，无奈地摇摇头，慢慢走开了。
可是，我心里一点也没有那种胜利的喜悦，甚至，有那么一点点自责和内疚。
我抬头望向窗外，树上一片叶子也没有，孤零零的，地上也只有乌黑的泥土，没有一丝那春的气息。
街道上的人也蜷缩着身体，弓着腰，顶着寒风十分艰难的向前走着。
突然，耳边又回响起了那首歌：“妈妈的辛苦不让你看见，温暖的食谱在她心里面，有空就多握握她的手，把手牵着一起梦游……”
我的`鼻子越来越酸，终于，一滴晶莹的眼泪夺眶而出，落到镜片上，而后慢慢滑下脸颊。
也许是心中的惭愧吧，我跑去向妈妈道歉。妈妈笑了笑说：“能听到你的道歉，妈妈很高兴真是感觉春天都被你带来了。”我听了一愣，说道：“不，是音乐让春天来！”随后，我们都笑了。
我的心在那一瞬间豁然开朗，沉重的心情也被我扔向了九霄云外。
这一切的一切，都源自于音乐，是它告诉我：“要听妈妈的话，要用功读书，其实她只是不想我输……”
音乐给我带来知识，音乐给我带来做人的道理，音乐给我带来努力的方向；更重要的是，音乐让春天来。
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音乐美学声乐艺术论文篇六
应届毕业生要怎样写一份求职简历来定位自己，以下音乐表演个人简历表格为参考！每个人的简历都有不同而网上下载的简历也五花八门，本站大学生个人简历网提供音乐表演求职简历参照资料！
姓名：大学生个人简历网。
性别：女。
出生年月：1991年7月。
工作经验：应届毕业生。
毕业年月：6月。
最高学历：本科。
毕业学院：上海师范大学。
所修专业：音乐表演（交响乐团）。
居住地：上海市市辖区黄浦区。
求职概况/求职意向。
职位类型：兼职。
期望地点：上海市市辖区，，
期望职位：实习生应届毕业生。
意向概述：应届毕业生。希望得到更多的实习学习机会。在不同的.职位上获得对将来工作有力的学习实践。会努力学习职位需要的技术内容。并会努力工作。
教育经历。
时间院校专业学历。
工作经历/社会实践经历。
时间工作单位职务。
7月-208月上海农商银行总行经贸部实习生。
联系方式。
电子邮箱：
手机：
qq/msn：
音乐美学声乐艺术论文篇七
内容摘要：文章从具体与抽象这一对充满辩证唯物主义因素哲学的视角审视音乐中的一般要素和音乐的接受客体，提出音乐的具象与抽象。
音乐在人们的现代生活中已经是家喻户晓的一种无形存在的事物。音乐在现代人生活中的影响力和感染力是不言而喻的，音乐已经成为现代人生活中一种不可或缺的精神食粮。音乐的发展进步折射出社会的发展趋势和人群的思想理念。笔者将主要从音乐的整体含义上阐述音乐中存在的一些具体和抽象的音乐因素。
抽象一词原义指人类对事物非本质因素的舍弃与对本质因素的抽取。抽象是从众多的事物中抽取出共同的、本质性的特征，舍弃其非本质的特征。要抽象，就必须进行比较，没有比较就无法找到共同的部分。抽象艺术是那些艺术形象较大程度偏离或完全抛弃自然对象外观的艺术。一部分原始艺术品和大部分工艺美术作品以及书法、建筑等艺术样式，就其形象与自然对象的偏离特征来说应属抽象艺术。
抽象艺术则在20世纪兴起于欧美。诸多现代主义艺术流派如抽象表现主义、立体主义、塔希主义等均受此影响。现代抽象艺术大致可分两种：一是对自然对象外观加以提炼或重组，使之简约；二是完全舍弃自然对象，以纯粹形式构成出现，称纯抽象。前者有两种类型：一种以自己对事物的概念为创作依据，减去被认为是次要、偶发的因素，追求一种本质的内容；另一种则从个别特殊的自然对象中抽取艺术形象。后者分情感型和理智型两类。情感型被称为热抽象，如w.康定斯基、j.米罗等；理智型被称为冷抽象，以k.c.马列维奇和p.蒙德里安为代表。抽象主义思潮盛行于20世纪50年代。现代抽象艺术运动整体上是对模拟自然传统的反叛，它对现当代艺术产生了深远影响。
在艺术领域里，以作品与自然对象相似程度上来划分风格的概念，就可分为具象艺术（figurativeart）与抽象艺术（abstractart）。具象艺术(figuralart)指艺术形象与自然对象基本相似或极为相似的艺术。具象艺术作品中的艺术形象都具备可识别性的特点。古希腊的雕塑作品、近代的写实主义和现代的超写实主义作品，因其形象与自然对象十分相似，故被看作这类艺术的典型代表。其实，其他具象艺术广泛地存在于人类美术活动中，从欧洲原始的岩洞壁画艺术到文艺复兴时代的宗教壁画；从印度的佛教艺术到中国的画像砖石等。
马克思指出，具体是许多规定的综合，因而是多样性的统一。恩格斯说，一和多是不能分离的、相互渗透的两个概念，而且多包含于一之中。同样，一包含于多之中……具体是普遍性规定和特殊性规定组成的统一体。所以说，抽象源于同一，具体源于对立。抽象拥有量，具体拥有质。抽象是基本的宏观的`范畴，具体是指特殊的微观的范畴。抽象是具体的本质，具体是抽象的现象，两者不可分割。抽象存在于具体之中，不可脱离具体而独自存在。不存在具体脱离抽象这个问题。因为抽象是外加于具体的，先有具体，然后才有抽象。音乐中处理和分析好这两者之间的关系是促进音乐研究和音乐发展的必经之路。音乐中的抽象与具体，笔者从音乐的一般要素和音乐的接受客体进行分析。
抽象的描述音乐是凭借声波震动而存在，在时间中展现。又可描述为，音乐通过人的听觉器官接受乐音的同时引起人的各种情绪反映和情感体验的艺术门类，是人类所创造的诸多文化的一种类型。那么具体的阐述音乐，它应该是由旋律、节奏、音色、和声四大基本要素组成的一种事物。当音乐经过具体概括和抽象描述后，我们结合两者共同研究音乐，音乐变得更加清晰透彻。
旋律总能给人喜悦、积极向上、光明、胜利、忧伤、哀愁、苦闷、失望等情绪，这种感觉是无形的，令人无法触摸的。旋律是音乐的灵魂，是给人审美音乐的最直接的武器，它在音乐中的地位和角色是无与伦比的。节奏是音乐的核心。通过节奏变化和旋律变化的有机结合，音乐作品获得内在的生命力。不同的音乐作品运用不同的节奏，常常给人截然不同的感受。宽广的节奏给人宏伟壮丽的感觉，因此在许多颂歌性的作品中常用到；密集的节奏，给人以活泼紧张的感觉，故，我们在电影音乐中也常可听到快速频繁的密集节奏很好地烘托出画面上的紧张气氛；此外，规整的节奏总给人一种庄重、平稳的感受，自由的节奏却令人顿感舒展开阔等。节奏的合理运用会使音乐形象和情绪得到加强和完善。音乐作品的节奏也是作品的个性风格的体现，它能使作品旋律流畅，富有活力；音色是音乐的表现手段。人声的音色可以说是最美而最富有表现力的音色了。男高音色彩明朗、辉煌，充满无穷的魅力；女高音则明亮、华丽、优美；男中音深沉、雄浑，富有力量；女中音柔美、宽厚。这些声部的特有色彩常就赋予了音乐作品特有的艺术表现力。如，男高音的演唱使作品更具英雄气概，女高音演唱更显秀丽婉转。在器乐作品中，各种乐器都代表一定的个性和音乐形象。弦乐器的音色连贯、流畅，富有歌唱性，常担任主旋律的演奏；铜管乐器体现了军人的气质，号角般的力量；木管乐器表现出牧歌般广阔柔和，田园般的气氛。所以，音色的变化组合就成为各类重奏重唱、合奏合唱以及交响乐的重要手段。如小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》，就充分地运用小提琴独特的音色和交响乐队千变万化的混合音色，成功地塑造出了一对忠贞于爱情的青年男女的艺术形象；和声是烘托主旋律，表现多层次、多结构丰满的主题。这是一种多元素的集中与联合。再如，德沃夏克的“新世界”交响曲第二乐章主题前运用了一连串和声连续进行，立刻就把人们带入悲惨凄切的气氛中，加上弦乐器带弱音器的效果，(转第66页）(接第70页）更让人顿时感受到那种孤独和思乡愁绪。
旋律是由高低不同的音的排列变化构成的一条运动线。单独一个音不能形成音乐，而不同音高的音组合在一起形成了旋律。一首作品的旋律线常被分成若干个乐句，就像说话时的分句一样。构成旋律的一般要素是7个音符(它可被分成12个均等半音)，但它们构成的旋律却可能是无限的。节奏是指各音在进行时的长短关系和强弱关系。节拍在强拍和弱拍间均匀交替。另外，音的强弱变化和不同音色运用对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。通过这些对比和变化，可以大大丰富和加强音乐的表现力；和声是指两个以上的音按一定规律同时结合。和弦进行有强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和之分。不稳定、不协和和弦对稳定、协和和弦的具有倾向性，因此构成了和声的功能体系。和声的功能直接影响到音乐的内在力度与动力的大小。
从抽象和具体两个视角分析音乐的一般要素，我们不难发现，音乐要素的抽象与具体息息相关，没有具体的描述，无法理解音乐的抽象。没有抽象的概括，无从谈及具体的要素。二者是融为一体的，所以说，音乐的研究必须从两方面同时入手才能更清楚地认识音乐并促进音乐更好地发展。
三、音乐接受体的抽象与具体。
从抽象的角度上讲，音乐的接受体是音乐的欣赏主体，欣赏者通过自我感情的凸现与音乐的变化相结合构成了对音乐的整体评价。接受体拥有对音乐的主观评价。音乐的接受者在一定程度上左右着音乐的价值趋向。从另一角度讲，音乐接受者是音乐的伯乐，一首好的音乐作品能否体现它的真正价值，需要有优秀的接受者。
从具体的角度上讲，接受体就是在音乐以自己的风格和形式表现出来时，那些存在于音乐周围的具体的事物，是分析和消化音乐基本因素的细胞和生命。人类的听觉神经是不可忽视的接受体。听觉神经细胞就是最基本的接受体。
从具体、抽象两方面看，我们会发现，音乐的接受体是不容忽视的一部分。只有培养更多的音乐伯乐，才能创造出更好的音乐作品。
结语。
在分析音乐中的抽象与具体因素之后，我们应该更加清晰地认识到，事物的存在和发展是双层次的，是感观和直观的结合。只有在感观与直观、感性与理性、抽象与具体、表象与实质的综合角度出发才能更加完全地认清事物的发展。音乐的研究也不例外，只有我们从音乐的基本规律出发，按照音乐发展的一般规律，通过多层次、多方位的研究才能更好地认识并促进音乐艺术的发展。
参考文献：
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音乐美学声乐艺术论文篇八
声乐艺术是语言升华和民族特性而赋予情感的艺术形式，它最大的特性是让语言拥有了音调、节奏和旋律，加上演唱者明亮动听的嗓音表现出来，那种带着演唱者的情感，传送歌词要表达的意思，美妙动听，生情并茂，感人至极。声乐能作为艺术首先要好听，不论是低沉雄浑、高亢嘹亮的男声，还是清丽典雅、丝绒般的女声，只有好听才能入耳。声音好能把歌词正确地表现出来，声音好是声乐艺术的基础。干瘪、枯燥、沙哑的声音一方面无法表达歌词所表述的内容，另一方面让听者感到不舒服。这就是为什么从事声乐艺术的人士很重视声音的训练和不断学习声乐技巧的原因。然而，歌唱者只能表现好听的声音是不够的，能称得上是声乐艺术，其可贵之处在于歌声中有情。在声乐艺术表现中，“情”是主导，是声乐的灵魂，也是它优于乐器充满魅力所在。
正因为声乐艺术能把“情”通过歌声表达出来，才感染人。声乐艺术要求演唱者必须关注对“情”的理解和体会。这就要求演唱者在艺术修养和专业技能的训练上都要下功夫。还要在体验社会生活中不断增加阅历，把人世间的酸、甜、苦、辣，喜、怒、悲、哀、恨，都要得以体验，才能让演唱者有“情”。这些学习和体验是在课堂上学不到的，需要演唱者融入到社会，不断积累才能在演唱中真正表现出带“情”的歌声。另外，在歌唱中如果能很好的表现“情”，还能为创造好的声音带来帮助。很多成功的声乐艺术表演者因为在歌声中恰当地表现“情”，使声音感人动听，起到了“以情带声”的'作用，达到了“声情并茂”的效果。这方面的例子有很多，老一辈的歌唱家王坤在歌剧《白毛女》塑造喜儿这个角色时，就到基层农村去体验生活，抓住了生长在贫苦农民家女儿的感受，在舞台上用富有情感的声音表现了喜儿这个歌剧角色，王坤老师在演唱时，喜悦时声音甜美清脆，悲伤时撕心裂肺，演唱惊动全场，引起观众的共鸣，成为新歌剧声乐艺术的典范。
我们都知道话剧表演靠的是语言抑扬对比；舞蹈靠的是刚柔变化；影视剧靠的是镜头的变化。声乐艺术也是靠变化。它要靠音乐旋律和强弱的变化，还要靠歌词提供的情感的变化，用歌声塑造形象。歌唱者在表现声乐作品时，首先要理解声乐作品的主题，以及旋律、节奏、音色、音量、风格和民族性等。然后用声音所造一个主题鲜明的形象。歌唱者在这里起到的作用是把自身对作品的理解和技巧融合到一块儿，再用富有情感的声音表现出来。歌唱者做对了这些才能塑造出新的形象，从而引起共鸣，焕发斗志。引发人们对美好生活的珍惜和热爱。如：吴碧霞在《八月十五月儿明》这首典型的说唱风格的歌曲演唱中，完美地把“声”和“情”结合在一起，感情真挚，即表现了喜悦，又表现了悲切。用歌声完美地讲述了一个共产主义战士雷锋八月十五送月饼的一个小故事，让听众一下子就认识了一个鲜活的形象，深深地打动了听众的心。其实，很多声乐作品通过歌唱者的演唱都能让听众感觉到它的形象。如：听了宋祖英的《好日子》你能感到红红火火的喜庆气氛；听了李光羲的《祝酒歌》举国欢庆胜利的情景油然而生；还有歌唱爱情的、歌唱美好生活的、歌唱祖国的，举不胜举，这正是声乐艺术无穷魅力所致。
音乐美学声乐艺术论文篇九
【论文摘要】有些初中生的学习自觉性不是很强，这也是造成初中生学习成绩差异的一个主要原因。大部分教师总喜欢把学生的成绩不理想的原因归结为学生不自觉学习，上课不愿听讲，课后不愿完成作业。而对于学生来讲，他不愿学习的主要原因是没遇到一个好老师。
【论文关键词】新型师生关系;生活实际;重视实验鼓励。
对于基础学科之一的化学，如果能真正培养起学生的学习兴趣，就能充分调动学生的学习积极性，发挥学习的主动性，培养学生的创新精神和实践能力。基于这种认识，我对初中化学教学中就激发、培养学生的学习兴趣作了一些探讨和实践。
1.构建民主平等的新型师生关系。
教师权威是指学生在崇高人格的养成、文化知识的占有、人生经历的丰富诸方面对教师作用的认可和对教师形象的崇拜，以及由此引发的教师对学生心理的影响。在应试教育背景下教师的核心地位非常明显，学生的自主性难以真正体现，一定程度上影响了学生的发展。著名教育家赞可夫曾说过：“学生积极的情感、欢快的情绪，能使学生精神振奋，思维活跃，容易形成新的联想。而消极的情绪则会抑制学生的智力活动。”随着化学课程改革的推进，教师的权威观念必须改变，增强民主与平等观念，教师应努力创设问题情境，增加学生活动的机会，激励学生提出问题，强化问题意识。
2.语言幽默，调动学习的积极性。
在教学中语言风趣态度随和，可亲近学生同时消除学生对教师的畏惧。教师语言幽默风趣、绘声绘色，才能调动学生听课的兴趣。例如，在做氢气还原氧化铜的实验时，教师先用神秘的语气配以简单的动作叙述：“氢气还原氧化铜，先通氢气莫等闲，屏气观察再加热，反应完毕冷却后，停止通氢(气)为结束;倘若固执不照办，反应就给(你)颜色看。”在“颜色看”三个字上放慢速度，给人一种似警告的威言。接着实验的前两步按常规操作，后两步停止通氢气后停止加热。当大家看到试管里的氧化铜颜色变为红色后又变为黑色，全都惊奇不已，寻思之余，又为反应就给(你)“颜色看”双含义的领会而眉开眼笑，并对氢气还原氧化铜的实验步骤顺序有了深刻的认识。通过顺口溜幽默的描述，生动的语言，声情并茂的讲解，学生兴趣倍增，情绪高涨，进入一种最佳的学习意境，积极性大大增强。
3.联系生产和生活实际，激发学生的兴趣。
化学与社会生活密切相关，如果学生能用所学知识解释身边存在的化学现象时，往往引以自豪，感到满足，这种满足会使他们对化学产生极大兴趣，充分调动起思维的积极性。此外，联系生产和生活的化学反应及现象，能更好地揭示化学反应原理在生产和生活实际中的具体应用。
在化学教学中适当采用电化教学手段，利用各种教学挂图、表格，尽可能把课本知识与日常生活、工农业生产联系起来，激发学生学习化学的兴趣，培养学生观察、思考、解决问题的能力。如：讲完硬水及其软化的方法之后，提问学生热水瓶胆内的水垢是怎样形成的，应怎样清洗?学习燃烧的条件时，可让学生分析引起“11.15伤害特大火事故”的原因，引导学生用学过的化学知识解决日常生活中的一些问题，可使他们深刻体会化学知识的无所不在和实用性。
音乐美学声乐艺术论文篇十
摘要科学是人们探求未知、追求真理的活动，要求人们崇尚真理，实事求是，敢于质疑，民主宽容。艺术是人们审美的追求，是表达情感的方式，其直接的目的是求美。反对雷同，强调个性，其表现的过程体现自由性，其结果通常呈现多样化。科学与艺术都讲求创新，最终都要求达到真善美和谐统一境界。
《辞源》对“科学”的定义：“科学是关于自然、社会和思维的知识体系。科学可分为自然科学和社会科学两大类，哲学是二者的概括和总结。科学的任务是揭示事物发展的客观规律，探求客观真理。作为人们改造客观世界的指南。”“自然科学又包括数学、物理学、化学、天文学、生物学等基础科学，以及材料科学、能源科学、空间科学、农业科学、医学科学等应用科学。”对“艺术”的定义：“通过塑造形象具体地反映生活、表现作者思想感情的一种社会意识形态。”艺术，通常包括诗歌、音乐、绘画、雕塑、书法、工艺、艺术设计等内容。有人认为科学是理性的，艺术是感性的，并且它们的研究手段也有所不同，怎么能够进行二者的沟通？艺术与科学之间是有一条空间地带，而实际上这条地带还很宽广，但是它们之间终究还是有很多的交叉点，而恰好正是这些交叉点使得艺术与科学之间是可以沟通的。
1艺术与科学的共通之处。
艺术与科学之间有共同性所以可以沟通。共通之处成为二者沟通的前提。艺术与科学最终的目的都是造福于人类的，普希金说过“科学家和作家的队伍，不论其性质如何，总是处于教育冲锋和文化进军的前列。”由此可见，在人类文明的前进过程中，艺术家和科学家都起着重要作用。当然，每个艺术工作者和科学工作者都是用自己独特的方式去完成使命的，但是他们的劳动成果是在改造自然和社会环境的共同努力中实现的，结果使人民的生活得到极大改善。科学家和艺术家不仅最终目标是一致的，而且他们掌握客观世界的方法，创作过程本身以及反映世界的手段都是非常接近的。物理学家、诺贝尔奖获得者李政道先生说：“艺术用创新的手法去唤醒每个人的意识或潜意识中深藏着已存在的情感。情感越珍贵，反映越普遍，艺术越优秀。科学对自然界的现象进行新的、准确的抽象。科学家抽象的叙述越简单、推测的结论越准确，应用越广泛，科学创造就越深刻，科学与艺术的共同基础是人类的创造，它们追求的目标都是真理的普遍性。它们像一枚硬币的两面，是不可分割的。”通过这些前人的论述可以看出艺术和科学之间的关系是十分紧密的。而这种紧密决定了二者之间是可以进行沟通的。
艺术和科学都是追求真，善，美的。通常情况下，人们尽力在创造的事物中表现自己的思想本质和高度智慧，艺术和科学均是人类创造的，所以其中肯定包含了人类的高度智慧，而真善美就是其中的一项。爱因斯坦说“我虽然不能证明科学真理必须被看作是一种其正确性不以人的意志为转移的真理，但我毫不动摇地确信这一点。无论如何，只要有离开人而独立存在的实在，那也就有同这个实在有关系的真理；而对前者的否定，同样就要引起对后者的否定。”毕加索说“我们都知道艺术不是真理。艺术是一种让我们明白真理的谎言，至少是能让我们了解真理的谎言。艺术家必须知道让别人相信他谎言中的真实性的手法。如果他在作品中只显示出他找到的并一再寻找的掩饰谎言的方法，他就永远成不了任何事情。”爱因斯坦是伟大的物理学家，毕加索是伟大的艺术家，他们分别指出了科学和艺术所追求的真理。科学追求真理并不难理解，但是对于艺术追求真理有些人会提出疑问，但是经过历史的洗涤艺术确实也是追求真理的，席勒认为艺术不仅是一种把现代病态社会转变为理想境界的手段，而且是一种能够让我们回想起幸福童年时光的东西，它开启真理的道路。
艺术家和科学家都是崇尚美追求美的，钱德拉塞卡写道“人们如何按照文学或艺术批评的方式把科学理论当作艺术作品来评价。广义相对论的情况为我们提供了一个很好的例子，因为几乎所有的人都同意这是一个美的理论。”由此可见他把广义相对论看作是一种艺术作品，而且把它看作是一件美的艺术作品。数学家g·h·哈代说“数学家的模式，就像画家和诗人的模式一样，必须是优美的；这些思想，就像色彩或字句一样，必须以和谐的'方式统一起来。优美性是第一道检验标准：这个世界没有为丑陋数学准备长久的地盘。”这些都有力的证明了科学理论的美和艺术作品的美都是具有一种必然性的美。拉斐尔的《圣家族》这件艺术作品，画面上的每个人的位置都恰到好处，都是不能更改的，一旦更改了就不在美了。同样的道理，在某种程度上，爱因斯坦的广义相对论也是如此。只要人们认识和掌握了爱因斯坦运用的一般物理学原理就会明白，爱因斯坦只能导出这样一个引力理论，而不能导出另一个根本不同的引力结论。
音乐美学声乐艺术论文篇十一
[摘要]肖邦的创作几乎全部集中在钢琴音乐这一领域。其体裁包括前奏曲、练习曲、夜曲、圆舞曲、幻想曲、谐谑曲、叙事曲、奏鸣曲、协奏曲和具有波兰民族风格特性的玛祖卡舞曲、波罗奈兹舞曲等。笔者通过对其代表性体裁的分析,以期管窥出肖邦音乐的风格特征。
[关键词]肖邦钢琴音乐体裁风格。
肖邦的创作主要是器乐,且几乎全部集中在钢琴音乐这一领域,所涉及的体裁包括小型的前奏曲、练习曲,夜曲、圆舞曲和幻想曲;大型的谐谑曲和叙事曲;传统的奏鸣曲、协奏曲和具有波兰民族风格特性的玛祖卡舞曲、波罗奈兹舞曲等。在这些不同的体裁中,音乐表现的内容和形式各异,表现手段各具特色,形成了肖邦独有的风格。
一、肖邦钢琴音乐的体裁。
肖邦创作了58首玛祖卡(mazurka)舞曲,这是起源于波兰马索维亚省的一种三拍子民间舞曲。乐曲的特征是强拍落在第二拍或第三拍上,活泼矫健、感情奔放、欢快热情、节奏强烈而多变。肖邦的玛祖卡是以三种波兰民间舞曲(玛祖尔舞曲、摩亚维亚克舞曲、奥别列克舞曲)为基础而创作的,其中以玛祖尔的形式最多。“肖邦的玛祖卡自然而微妙地再现了波兰民间舞曲的节奏、旋律甚至结构。”特别是波兰民间音乐特有的“利第亚”增四度的应用,但这种再现是带有发展和创造性的。肖邦的玛祖卡旋律清晰,常常为混合大小调,大多是抒情性的。肖邦通过自己的创作,使玛祖卡舞曲成为独立的音乐会演奏的作品。玛祖卡是肖邦创作中最富于民族性格的体裁,其民族色彩鲜明,乡土气息浓厚,是作者受民族音乐的熏陶而写成的浪漫主义音乐的最佳范例。
“波罗涅兹”舞曲(polonaise)是16世纪起源于波兰的一种民间舞曲体裁,音乐典雅、庄重,三拍子舞蹈节奏。舞曲常用于军队的仪式行列,后来流行于宫廷,进而在欧洲广泛流传。肖邦创作的20首波罗涅兹舞曲,增添了悲壮、宏伟和爱国主义的气质,赋予了波罗涅兹舞曲更高的思想性和艺术价值。肖邦创造性地运用民间音乐的素材,其音乐结构对称严谨,织体丰富多彩,节奏强劲有力,有较强的技巧性,采用装饰音和密集的和弦织体,具有丰满的乐队般的音响效果,常表现出悲哀、忧郁、慷慨、激昂、雄壮和豪迈的情绪。
“叙事曲”(法文ballade)是一种富于叙事性和戏剧性的声乐曲和器乐曲。肖邦创造性地将叙事曲应用到了钢琴作品中,先后完成了4首气势磅礴结构复杂的钢琴叙事曲作品,从而开创了钢琴叙事曲器乐体裁的新领域。肖邦的叙事曲具有深刻的思想性,在内容上与密茨凯维支的叙事诗有密切的联系。肖邦的叙事曲吸收了波兰民间音乐的因素,将叙事性、戏剧性、史诗性、悲剧性、英雄性、交响性和抒情性有机地融合在一起,倾诉了怀念故国,眷恋民族的感情。在曲式结构、和声调性方面进行了大胆的革新,使叙事曲的音乐表现得到了很大的发展。
“练习曲”(etude)是指专门训练乐器演奏技术的乐曲,常常具有特定的技巧训练目的。肖邦创立了技术训练和艺术内容相结合的练习曲,其完美的结合达到了前所未有的高度。肖邦的练习曲具有一定的音乐形象和感情内容,使练习曲发展为一种有艺术价值的音乐体裁,成为音乐会演奏的作品。
“前奏曲”(prelude)是指在作品前面演奏的序引。肖邦的前奏曲不同于巴罗克时期一般组曲中的前奏曲,肖邦继承了巴赫的传统同时也有一定的发展,每首都写成了独立的作品,同样以24个大小调写成一个完整的体系,每一首只有一个鲜明的形象,音乐情调丰富,乐思简洁,形式完美。
“谐谑曲”(scherzo)最早产生于17世纪的意大利。18世纪中叶,“谐谑曲通常用作奏鸣曲、交响曲中的一个乐章,代替小步舞曲。”肖邦的谐谑曲继承了贝多芬的传统,同时又“远离了古典传统的风格”,把谐谑曲发展到了前所未有的规模。肖邦的谐谑曲是独立的单乐章的艺术作品,其结构庞大,富于展开,音乐形象对比明鲜,能容纳复杂深刻的思想内容。他以突进快速、活跃的三拍子、生动的节奏、突发的重音、切分音、急剧的力度变化、比较复杂的曲式结构和大胆的转调等手法,使谐谑曲不仅具有热烈、刚劲、诙谐、嬉戏、幽默、歌唱和富于幻想的特点,而且表现出了戏剧性、哲理性的内涵和史诗般的气势。
“夜曲”(nocturne)是爱尔兰作曲家约翰费尔德创立的一种体裁。肖邦的夜曲是在费尔德的基础上发展的,早期的夜曲受费尔德的影响,风格恬静华美,多情细腻,音乐形象单一,带有伤感的情调。以后的作品则扩大了规模,大多具有不同形象的对比,常常表现出抒情性和戏剧性的特征,使夜曲体现出深刻的思想内容和丰富的音乐意境。肖邦的夜曲旋律悠长,速度缓慢,如诗如歌,同时充满了激情和内在的张力,在结构上大部分为三部曲式,有较大规模的展开。他将歌唱性、宣叙性和装饰性的华彩熔合在一起,伴奏织体变化频繁,节奏精巧特异,旋律错综交织,音区对比并置,和声色彩微妙。
二、肖邦钢琴音乐的风格。
通过几种代表性体裁的分析,我们可以看到,肖邦在对音乐体裁进行创新和发展的基础上,尤其把波罗奈兹舞曲、玛祖卡舞曲、叙事曲、夜曲和练习曲等体裁形式提升到了极高的艺术水平。从肖邦的体裁及其作品来看,其总体风格可以总结出这样几个方面:。
1.肖邦早期的作品大多情绪明朗、抒情,充满着幸福、希望和青春的欢乐,写作手法简单,风格华丽幽雅。中晚期的作品因受到波兰民族独立斗争的影响,其风格逐渐转到了为民族独立解放而呐喊的悲壮、忧愁和愤怒,开始出现了戏剧性和悲剧性的因素,也开始出现英雄主义的音乐形象和爱国主义的个人情感,写作手法逐渐变得丰富多彩、精致细腻、自由灵活而富于浪漫主义色彩。
2.肖邦的旋律吸收了声乐因素,使器乐作品声乐化,旋律形式具有声乐性与器乐性相互交融的特点,歌唱性是肖邦钢琴音乐的总的风格特征。尽管在他的玛祖卡、波罗奈兹舞曲和叙事曲等一些作品中,也表现出戏剧性、史诗性和英雄性的宏伟雄壮,但音乐在根本上却始终保持着歌唱性的特点。同时,在歌唱性的基础上又具有华彩性、装饰性和变奏性的风格。
3.肖邦的音乐是从波兰民族的土壤中生长的,他吸收应用了民族民间音乐的素材,经过创造性的.改造而形成了他独有的音乐语汇。在他的玛祖卡舞曲、波罗奈兹舞曲以及夜曲等作品中,不仅具有典型而丰富的波兰民族风格,同时,也再现和反映了波兰民族的精神。他把民族的音乐与欧洲音乐相融合,创造出了一种可称之为波兰民族的并具有世界性的音乐。
4.肖邦的音乐以主调和声为主,同时贯穿复调的技法。他的和声具有古典音乐的严整性和根据性。他常常使用中古调式、交替调式和大胆的突然转调来变换和声,他喜欢用三度并置的调性对比,并将半音阶和声及其伴随的不协和性扩展到了前所未有的领域。他在传统和声的范围内也探索运用了民间音乐的风格特征。他的和声的逻辑性是以声部的流畅进行为依据的,其声部进行灵活自由、幅度宽广、低音浓厚、纤细单纯。他的音乐织体大多为旋律加和声音型的伴奏,其伴奏音型丰富多样。
5.肖邦在曲式结构方面不拘一格,大胆创新,创造性地使用能表达音乐情感的适合于自己性格的结构形式,在叙事曲、谐谑曲、幻想曲、波罗奈兹舞曲等作品中大多采用灵活自由的混合曲式结构。
6.肖邦在他的圆舞曲、玛祖卡和波罗奈兹舞曲中,突出特定的节奏;在幻想曲、谐谑曲和叙事曲中,又使节奏灵活多变。但从总体来看,肖邦的音乐个人随意性较大,有一定的即兴因素,其节奏比较自由,具有高度的伸缩性,这也正是肖邦对于“自由速度”(temporubato)的大胆探索。
7.肖邦的音乐是诗意性的,尤其是那些小型作品,如:前奏曲、练习曲、即兴曲和夜曲等,音乐总是表现得优雅如歌,诗意连绵。一些大型作品也同样具有浓郁的诗意。肖邦通过诗意性的音乐来倾诉自己的内心情感,所以,他的音乐具有极大地抒情性。
8.肖邦是一位以钢琴音乐来抒发爱国情怀的音乐家,“肖邦的音乐是与表现爱国主义精神这一神圣主题密切相连的,他对祖国深刻而强烈的热爱,贯穿了他音乐创作的总过程,决定了他音乐创作的总方向。”
总之,肖邦的钢琴音乐是独创性的,他的钢琴音乐体裁特征突出,风格鲜明,他为钢琴音乐体裁及风格的发展做出了巨大的贡献。
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音乐美学声乐艺术论文篇十二
音乐与文学是最动人心弦的艺术，一直伴随着人类从远方进入高度文明的现代社会，在历史的长河之中，这两束光芒四射的浪花，时聚时分，跳跃向前，他们在相互促进中不断繁荣，在相互渗透中蓬勃发展。文学可以为音乐提供创作素材，而音乐可以利用比语言的表现力更丰富的声音的多种结合方式来表达其思想内容。
一、西方音乐的题材。
文学属于想象的艺术，它塑造形象的手段是语言和文字，但是语言文学不直接形成形象，它靠词义的概括性去描摹形象，描摹的内容是具体的，确定的。而音乐是听觉艺术，它塑造形象的材料是声音，声音是音乐家按一定的审美原则创造出的乐音，听众通过乐音的组合产生一定的“形象”。相对于文学，音乐是抽象的，要依靠听众听觉去感悟。所以说音乐是通过声乐器乐来表达，文学是通过文字笔墨来表达。然而，优秀的音乐家却可以巧妙的把文学艺术和音乐艺术结合在一起，达到珠联璧合的效果。
十八世纪末、十九世纪初，欧洲的文学艺术普遍形成了一种新的潮流，新的风格，这就是历史上所谓的浪漫主义。想当然，浪漫主义对欧洲音乐发展的影响也十分巨大，浪漫主义时期音乐以其自己的风格特征屹立于世界音乐之林。浪漫主义文学的基本特征是浓重的感情色彩，自由的理想抒发，强烈的个性张扬。而浪漫主义音乐崇尚自由与激情，带有强烈的主观感情色彩，作品富有诗意的表现，在特征上浪漫主义文学和浪漫主义音乐有异曲同工之妙。此外，浪漫主义音乐的题材大多选材于文学，如奥地利作曲家舒伯特，一生创作了六百多首歌曲，几乎都是取自德国的抒情诗，特别是歌德、席勒、海涅、缪勒的诗作为数最多。作品中浪漫的和声处理及抒情的自我表现，丰富的幻想，炽热的感情，使歌曲达到了一个比较完美的境界。门德尔松的管弦乐序曲《仲夏夜之梦》是他最杰出的浪漫主义作品，是他为莎士比亚同名喜剧写的配乐，内容充满了浪漫主义的诗意的幻想，把听众带到了莎士比亚戏剧梦幻、戏谑的气氛中。德国浪漫主义音乐家韦伯，他创作的《自由射手》，取材于德国民间传说，此歌剧追求幻想的情趣，表现了善良终究会战胜黑暗的美好理想。柏辽兹是十九世纪标题音乐的倡导者，他赋予标题以动人的力量和音画的表现，他甚至在每一乐章前都冠以详细的'文字说明的标题，以便于听众能按作曲家的原意来理解交响曲的内容，使交响曲成为易被大众理解的体裁，柏辽兹的作品题材多取自文学，如戏剧交响曲《罗密欧与朱丽叶》(莎士比亚)，交响序曲《李尔王》(莎士比亚)，交响曲《哈罗尔德在意大利》(拜伦)，戏剧康塔塔《浮士德的责罚》(歌德)，以及他的唯一声乐套曲《夏夜》，根据法国诗人戈帝埃的诗写成。
二、中国音乐的题材。
文学属于想象的艺术，它塑造形象的手段是语言和文字，语言文学不只接形成形象，它靠词义的概括性去描摹形象，描摹的内容是具体的，确定的。而音乐是听觉艺术，它塑造形象的材料是声音，声音是音乐家按一定的审美原则创造出的乐音，听众通过乐音的组合产生一定的“形象”。相对于文学，音乐是抽象的，要依靠听众听觉去感悟。所以说音乐是通过声乐器乐来表达，文学是通过文字笔墨来表达。在文学和音乐两方面，中国文人墨客和音乐家把=者也达到了完美的融合，经典之作不乏之例。在乐曲和歌曲两方面，举不胜举。在乐曲方面，乐曲《春江花月夜》那甜美、安适、恬静的曲调，表现了在江南月夜泛舟于景色如画的春江之上的感受，同时它取材于初唐张若虚的诗《春江花月夜》，从不同的角度描述了春花春月，流水悠悠。此外，中国民乐家刘天华创作的二胡曲《月夜》、《空间鸟语》、《竹影摇江》等都吸取中国古诗词中的精华，充分表达中国弦乐和古诗词的清虚淡远的境界。另外，在歌曲方面，歌曲《在水一方》，音律婉转悠扬，歌词取自于《秦风，蒹葭》《虞美人》歌词是唐朝李煜同名词的原版：歌曲《相见难》为李商隐同名词的原版：相见时难别亦难，东风元力百花残……再者，脍炙人口的流行歌曲《新鸳鸯蝴蝶梦》中歌词：抽刀断水水更流，举杯消愁愁更愁――可在盛唐时期诗人李白的诗中发现。歌曲《寂寞沙洲冷》来源于苏轼词。在中国近现代音乐创作中，作曲家大胆借鉴，用现代手法创作出了大量的音乐佳作，它们充分表现出了中国古文学的精髓，音乐与文学取得了珠联壁合的艺术效果，更说明了音乐和文学有不解的渊源。
结束语。
总而言之，通过对外国浪漫主义时期文学和音乐的分析，通过对中国文学与音乐的阐释，我们得知无论中国还是西方。许多音乐取材于文学，在欣赏音乐的过程中回顾相关的文学韵味，在文学作品中体会抑扬顿挫的音乐情。音乐与文学在灿烂的历史文化中占有重要的历史地位，它们开始起于同一渊源，虽然在后来的发展中又体现出自己的独特特征，但是他们彼此联系互相促进，用不同的方式丰富着人们的生活。经济的繁荣，社会的进步，相信它们会被更好的发展和创新，从而丰富我们的生活，使我们的身心更加愉悦。
音乐美学声乐艺术论文篇十三
籍贯青岛市居住地青岛市。
民族汉政治面貌团员。
毕业院校中国海洋大学专业音乐，舞蹈，作曲。
求职类型应届毕业生。
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教育经历9月至6月就读于中国海洋大学音乐表演专业。
在部内的工作中参与并成功的举办了校内第三届音乐节和18届歌手大赛。•大二至大三上学期任校会副秘书长一职在职期间全面负责校会内日常事务包括各种规章制度的建立会议的召开各种大型活动的开展各部门之间的协调。在校会的工作中学会了组织、分配、协调工作、知道了做任何事情都要从小事做起和各项事物要分配到人手等做事做人的原则。•大三由于校会工作表现突出被系邀请担任系会副主席一职。在职期间曾组织艺术团为多处退休干部及敬老院老人义务演出。
技能水平熟练掌握小提琴机能，适于教学。
自我评价本人性格开朗大方，对人热情，对工作一丝不苟，有较强的团队精神。
求职意向所有职业。
音乐美学声乐艺术论文篇十四
摘要：关中土地肥沃，河流纵横，气候温和，《史记》中称其为“四塞之国”。中华文明的摇篮在黄河流域，而黄河文明的摇篮是在渭河流域（关中），关中是黄河流域古代文化的发源地。中国鼎盛时期的代表汉唐艺术体现了宽容自信、热情向上、积极进取、坚忍不拔民族精神。
关键词：中国式审美关中人文汉唐艺术。
引言。
对于一个土生土长的关中学子，能够根植于这片沃土来研习艺术，无疑是幸运的。也许是这片土地太具神秘感了，对于我来说熟悉和陌生经常会交织在一起，如果把关中大地比拟成一个人的话，他必定是具有多面性的。这种丰富性格的形成也源自于他历经了十三个王朝漫长的洗礼，然而在这千余年的历史长河中对其鲜明个性影响最深的莫过于周、秦、汉、唐四朝。
关中在中国历史上的地位，缘于它得天独厚的地理形势。中国地势西高东低，自西向东分为三个阶梯。关中位于中国地势的第二级阶梯，背靠第一级阶梯的高原山地，下临第三级阶梯的平原地带。关中南有秦岭横亘，四有陇山延绵，北有黄土高原，东有华山、崤山及晋西南山地，更兼黄河环绕，可谓山川环抱，气势团聚。关中腹地为渭河、泾河、洛河及其支流形成的冲积平原，号称“八百里秦川”。
关中之名，始于战国时期，关中本是一个极富战略色彩的说法，意为四塞之中。四塞是一种笼统的说法。关中周围大小关塞甚多，历代亦时有损益。一般认为西有散关（大散关），东有函谷关，南有武关，北有萧关，取意四关之中（后增东方的潼关和北方的金锁两座），四方的关口控制着关中地区几个主要方向的出入通道。闭关可以自守，出关可进取。形势有利，就出关进取；形势不利，则闭关自守。再加上陕北高原和秦岭两道天然屏障，使关中成为自古以来的兵家必争之地，尤其是在冷兵器时代,这四关堪称一夫当关,万夫莫开。
关中土地肥沃，河流纵横，气候温和，《史记》中称其为“金城千里”、“天府之国”和“四塞之国”。此外中华文明的摇篮在黄河流域，而黄河文明的摇篮是在渭河流域（关中）。从神话、传说和考古发掘看，出自中国西部的炎帝和黄帝是公认的最早圣王和“人文初祖”。炎帝和黄帝的族居地和墓陵都在关中地区。经考古发掘证实，关中是华夏古文明最重要、最集中的发源地之一。关中平原是当之无愧的中华文明摇篮，也是整个亚洲最重要的人类起源地和史前文化中心之一。
谈到文化离不开历史，关中的历史几乎就是陕西的历史了。从东到西，都有着悠久的过去。关中是中国黄河流域古代文化的发源地，石器时代开始这里就有了文明。渭南的大荔猿人和龙山文化遗址；西安的蓝田猿人和半坡、姜寨遗址；宝鸡的北首岭遗址都是黄河流域具有典型代表性意义的新石器时代仰韶文化的体现，展示着这片土地五千年前的辉煌。周秦至唐，中国封建社会的前半部的历史，也基本都是围绕着关中而展开。中国历史上的三次大一统局面中，有两次是以关中为基础完成统一的。秦汉和隋唐都是以关中为基础统一天下，又以关中为基础统治天下。在这段历史当中既有残酷、血腥、闭关自守，也有温情、宽厚与兼容并包。
二、汉唐文化艺术特点。
汉唐文化是中国文化繁荣阶段的代表，同时又是中华民族勇往直前的向上精神的一种象征。汉代正是中国思想文化的辨证期，西域的开通为中西文化的交流拉开了序幕。丝绸之路使汉文化和佛教、基督教、伊斯兰教文化进行了广泛的交流，对世界文化给予极大的冲击。而唐代当时是世界上最强大的帝国，大唐盛世时期，首都长安更是世界文化、艺术中心。唐朝在中国历史上最早进行“对外开放”。作为文化的代表汉唐艺术所体现出的是更多的是宽容与自信并存。
中国古代以“温柔敦厚”为诗之旨，这和中华民族的气质、生活条件、地理环境、哲学思想、伦理道德观念及其他文化因素密切相关。表现在造型艺术上便是含蓄美、内在美。雕塑亦然，象中国书画用笔藏锋那样将力量包裹在内部，给人更多品尝的余味。关中大地上孕育的汉唐时期的雕塑就是中国式审美的典型表现。
1.浑然天成的统一。
即艺术的整体感，大到汉唐墓园的整体构思营造，小至每一件雕塑作品的刻画都是始终统一在一个整体的氛围之中。或因山为陵、或以墓冢形还原祁连山千余年前硝烟滚滚的战争场景，都是在营造一个整体的气氛，在这种整体感的统领下再依靠感觉和理解出发，通过取舍、夸张、变形甚至抽象，用写意的手法突出每一个对象的特征，使每一个局部都和整体产生不可分割的紧密关系。如霍去病墓前的石雕就是典型的例证，这些动物的描绘看似与陵墓所表现的整体无关，但恰恰正是它们活化了自然环境，赋予陵墓一种天然气象，象征性再现墓主征战建勋的环境，这不仅在形式上是一种创新，于当时流行的形式之外另辟蹊径，而且在陵园造型艺术观念上也是就一种突破，它已经在原来的厌胜辟邪寓意上增加了再现生前环境、表达人与自然之和谐关系的新层次。
2.简洁风格与非凡气度。
尽管汉唐时期是中国的鼎盛时期，但其艺术风格却是简约自然的。高度发达的物质文明并没有泯灭人对自然和谐的追求，受到中国绘画的影响在汉唐时期的石雕中圆雕、浮雕、线刻等多种雕塑语言是并存的，但这丝毫没有影响其概括简约的艺术风格，相反其多变性使雕塑空间更具充分的自由性。如霍去病墓石雕所采取“因势象形”的手法，充分利用岩石，进行最低限度的艺术加工，对岩石形状与动物形象的双重需要加以多变性运用的。使石兽的造型显出空间的自由而不斤斤计较于形似；唐代对动物、人物的刻画都是出于一种崇尚丰满、健美、刚强的造型审美心态，崇尚力的凝聚形象。形式在写实状貌的基础上刻意追求丰满强健的'形象感染力。素有“东方第一狮”美誉的顺陵走狮是唐陵石雕成熟期的作品，其造型雄伟，气势磅礴，眉宇间无不体现出威镇环宇，昂首天外的雄风。大气至极却有细腻有佳，而这种细腻并不复杂，恰到好处，使得石雕具备了统一大气的完美气质。给人运行成风、一气呵成、痛快爽利的艺术享受。
3.含蓄的感情表达。
把艺术当作传情达意的手段，重视立意也是汉唐艺术的一大特点——寓情于景、于物，象征性的艺术处理给予了观者极大的想象空间。汉霍去病墓前对各种猛兽动物的描绘，早已超出了具体表现的人或兽的本身，他们造就的不仅是祁连山这个自然环境。而最终想传递给人们的信息是祁连山所代表的一代名将霍去病坚韧的性格和他所创建的丰功伟绩。
再来看看作为霍去病墓群雕的主题性雕塑——马踏匈奴，那蜷缩双腿，蓬乱须发，左手握弓，右手持箭，还要垂死挣扎但又面露无奈表情的匈奴人被那坚实有力，气宇轩昂战马不可一世的踏于脚下，悬殊的抗衡场面不正是在深刻的揭示正义力量坚不可摧的主题思想吗？看那神态机警而威猛的吊睛白额大虎，顶部花皮紧蹦，肢爪强劲有力，长尾巴搭于背部，将猛虎在等待猎物前的小心与谨慎表现的淋漓尽致。石雕巧妙的运用了石块本身的起伏变化以及纹理特征准确的勾勒出猛虎雄健丰满的体魄。特别是动势的准确把握将“林暗草惊风，将军夜引弓，平明寻白羽，没人石棱中”的意境充分展现在观者眼前。
然而用于传情的载体，唐人在赞美大自然的同时更注重于洋溢着自我的豪迈。唐代在汉代对人与自然的关系在本质上加以继承并发展。唐陵石雕结束了东汉以来墓前石雕多样性表现的造型倾向而将其引向全面程式化。石雕设置寓意已由前代的神灵护卫变为犬马群臣，现实的人的本质力量在新时代中得到了更为充分的认识。以人作为主题的回归是大唐时代精神的体现。
综上所述，汉唐艺术代表了热情向上，积极进取，坚忍不拔民族精神。成就于他的是关中大地这片沃土，他们是不可分割的一个整体。今天的我们站在这片土地上研读那些曾经由冰冷变的炙热的顽石。尽管他们只是那个时代的一个小小的缩影，却足以让我们感受到他们所带来那股势不可挡的民族霸气，感受那用创造性、兼容性和自信心打造的博大的胸襟。予以学习、予以生活、予以自省。
音乐美学声乐艺术论文篇十五
（内蒙古自治区通辽市开鲁县工农小学）。
摘要：随着新课程改革的不断推进，我国音乐课教学模式在不断地发展创新。教学实践表明，活跃的课堂学习氛围是教学成功的重要手段，因此，音乐教师应采用灵活多样、生动活泼的教学方式来调动学生学习音乐的热情以及积极性，让音乐课真正“活”起来。从几个方面阐述让音乐课“活”起来的措施，旨在指出活跃的课堂学习氛围是提高教学质量的关键手段。
关键词：音乐课；小学；活力；措施。
传统的教学模式往往以教师为中心，学生处于被动学习的状态。在传统教学模式的束缚下，学生的创新意识以及学习音乐的热情受到很大程度的抑制。新的教学理念不断提出，如何激发学生的音乐灵性、调动学生学习音乐的积极性已成为学校教育面临的重大课题之一。以下几点是让音乐课堂焕发生命活力的措施。
一、创设愉快的教学情境。
音乐课可以说是小学生最喜欢的一门课，这门课能为学生带来美的感染力与震撼力。新课改下的音乐课堂不能仅仅满足于教会学生唱会一首歌，还要启发学生学习体会歌曲的感情以及艺术形象，只有做到这样才能最大限度地调动学生学习音乐的热情及积极性，学生学习音乐的状态才能够达到最佳。例如，在教学生唱《牧童》这首歌时，仅仅靠音乐教师带领着唱几遍，这样是达不到教学效果的。因为学生不能够体会那种找妈妈的喜悦心情，因此，学生唱起来往往显得呆板、面无表情。这种情况下，就需要教师创设一种愉快的教学情境，调动学生学习的积极性。音乐教师可以启发性地提问学生：“同学们如果你们的妈妈告诉你们说今天她会带着小礼物来接你放学，你现在会是什么心情呢？”教师的这一问题会极大地调动课堂氛围，学生纷纷举手回答，这样一来，学生会沉浸在美好的想象中，这时带领大家一起歌唱，学生就不会再显得那么死气、呆板，音乐课也会充满生机和活力。
二、教师应正确把握课堂节奏。
小学生的年龄较小，课堂上的注意力是有限的。心理学家经过研究表明，小学生的注意力大致集中在10~25分钟，这就要求音乐教师在有限的时间内把握好课堂节奏。通常情况看来，上课的前十分钟是学生注意力最为集中的时刻，这段时间里，音乐教师可以相对加快课堂节奏，传授一些知识性强的内容。当学生的注意力表现的.不稳定时，音乐教师可以穿插一些互动练习，调动一下学生的兴趣，使整个音乐课堂真正做到快慢结合、动静结合。音乐学家指出，循规蹈矩的课堂氛围是无生命力可言的，课堂应以学生为主体，需要广大学生的参与及配合，只要调动起学生学习的热情，课堂就会变得丰富多彩。()课堂氛围的形成与教师的教学方式、教学内容以及管理水平等密切相关，作为一名优秀的、合格的音乐教师，应不断完善自身的素质，为学生树立榜样。总而言之，掌握好课堂节奏，是让音乐课“活”起来的重要方法。
三、在音乐教学中使用电教手段。
当前小学的音乐教室中大都配备有多媒体等现代信息设备。多媒体教学是一种新型的教学方式，受到了广大师生的欢迎。多媒体能够集文字、图片、音频、视频、动画于一体，给学生带来更为直观的感受。多媒体所提供的教学情境是逼真的、丰富多彩的，在这种教学情境的调动下，学生学习的兴趣会被激发，课堂学习氛围也会充满活力。例如，在学习《十只小猪过河》这一课时，音乐教师就应该借助多媒体，先为学生展现一些可爱的小猪图片，之后再配上优美的音乐，让学生在边看着图片，边伴随着律动进入课堂。优美的音乐以及可爱的小猪图片一下就吸引了学生的注意力，无形之中也能够提升学生学习这首歌曲的兴趣。利用多媒体进行辅助教学，一方面能够扩展学生的思维，丰富他们的想象力，另一方面又能够使音乐课堂充满生机与活力，达到预期的教学目标。
四、丰富情感体验，培养学生对生活积极乐观的态度。
情感体验在音乐学习中占有很重要的地位，缺乏情感体验的音乐课堂是无活力可言的。音乐教师在课堂上应注重挖掘音乐中所隐含的情感体验，引导学生由浅入深地体验音乐中的情感，在体验情感的过程中，学生的审美能力会得到提升，自身的情感体验也会丰富。作为一名合格的音乐教师，首先应该用自己真挚的情感去感化学生，让学生在充满真情实感的世界中感受音乐的无限乐趣。新课程理念倡导音乐课堂不仅仅只注重学生知识的学习，更注重从小培养学生的人文素养，在这种课堂教学模式的影响下，学生的认知情趣能够得到提升，个性能够得到发展，生活也将会变得多姿多彩。
让音乐课真正“活”起来，不仅仅是为了学生的学习兴趣与爱好，同时也是为了使学生能够在有限的课堂时间内真正做到“学有所获”.作为一名音乐教师应该学会充分利用音乐课的特点去激发学生学习的热情，让音乐课充满生机与活力，进而实现音乐教学的终极目标。
参考文献：
徐亚东。优化课堂，让音乐课活而有效[j].新课程：上，（09）。
音乐美学声乐艺术论文篇十六
摘要：音乐教育是素质教育的重要组成部分，也是实施美育的途径之一，同时也是培养“有理想、有道德、有文化、有纪律”的优秀人才必不缺少的组成部分。本文结合中国音乐教育的发展过程以及教育部颁布的《全日制义务教育音乐课程标准（实验稿）》这两部分的内容，对音乐课程的价值，即提高学生音乐素养的重要性进行了总结，并对在音乐教学中如何提高学生的音乐素养进行了系统的阐述。
关键词：审美教育；音乐教学；音乐素养。
一、中国音乐教育的发展与现状。
音乐是一门古老的艺术，音乐教育则是一门古老的学科。广义的音乐教育在人类音乐诞生之日就已产生。从《吕氏春秋·古乐篇》关于“昔葛天氏之乐，三人操牛尾，投足以歌八阙”的历史传说中，我们可以想象到昔日葛天氏之民载歌载舞的情景。儿童与成人在参加或观看这类音乐歌舞表演时，自然地就接受了音乐教育。
新世纪以来,我国出台了新的《中小学音乐教学大纲》和《音乐课程标准》，这些改革举措都是我国音乐教育领域兴起的新浪潮。回顾我国建国以来基础音乐教育的发展，特别是素质教育的提出，为我国当今的基础音乐教育改革提供了有利的条件。
我国教育部制订的《全日制义务教育音乐课程标准（实验稿）》是我国音乐教育改革的重要环节，它对我国音乐课程的性质与价值以及音乐教育的基本理念等内容进行了系统地阐述。《标准》力求体现深化教育改革，全面推进素质教育的基本精神，以提高学生的审美能力，发展学生的创造性思维，形成良好的人文素养，为学生终身喜爱音乐、学习音乐、欣赏音乐奠定良好的基础。
二、如何提高学生的音乐素养。
（一）音乐教学应以音乐审美为核心。
在音乐教学中，以音乐审美为核心应贯穿于音乐教学的全过程。通过各种体裁、题材的音乐作品，以歌唱、器乐、欣赏等方式，增进学生对音乐美的感受、理解、鉴赏以及表现和创造能力。
（二）注意教学内容的选择。
音乐教育的内容应该是一种具有平衡性、节奏性和有机统一性的完美音响运动形式。在这样的状态中，受教育者参与的感知、联想、想象、理解等心理过程可以在一种自由、和谐的状态中发展。
（三）选择恰当的、具有创新性的教学方法。
教学方法是完成教学任务所使用的工作方法，它包括教师的教授方法和学生的学习方法。决定教学方法的基本要素是教学目的、教学对象和教学内容（教材）。这三者中教学对象处于中心的位置，学生的实际状况是三者中最重要的因素。音乐教学的根本目的在于通过音乐教学陶冶学生的审美情感，培养学生的审美能力。音乐教学的内容包括歌唱、器乐、律动、欣赏、创作和音乐基础知识和基本技能。音乐教学目的和教学内容决定了音乐教学方法的特殊性，而学生的不同状况也决定了音乐教学方法的多样性和复杂性。
三、提高音乐教师的素质。
提高音乐教师的素质，发挥音乐教师的重要作用。注重对音乐教师素质的不断提高，对音乐教学、全面推进素质教育具有极为重要的意义。只有高素质的教师，才能有力地推动和实施创新教育，只有具有创新意识和创新精神的教师，才能不断改进教学方法，培养学生的`创新精神和创造能力。
（一）音乐教师应具备的一般修养。
音乐教师与其他学科教师一样，应具备良好的教师职业道德；必要的教学能力；以及一定的文化修养。
（二）音乐老师应具备的专业素质。
第一个方面是音乐学科的理论知识和技能技巧方面的素质。第二个方面是教育的基础理论与技术（教育实践）方面的素质。第三个方面是音乐学科教育理论与实践方面的素质。音乐教育作为教育的一个分支，具有许多特殊性，这些特殊性既有别于音乐工作的其它领域，又未被普通教育理论所涉及，它是跨于音乐与教育之间，体现音乐教育作为一门专业的独立地位的知识体系。
（三）音乐教师应具备的业务能力。
音乐教师应该要具备从事音乐课堂教学的能力。普通学校的音乐课具有多项内容的综合性，因此，音乐教师必须具备从事歌唱教学、器乐教学、律动教学、欣赏教学、创作教学和基础知识与基本技能教学的能力。音乐教师要具备组织辅导课外音乐活动的能力。音乐教师还应该具备从事音乐教育研究的能力。由于教育理论和音乐教育实践的迅速发展，教育改革的不断深入，学习现代教学理论，借鉴新的教学体系，是音乐教师必须具备的一种“自我完善”的能力，尤其是在学习和运用现代教学理论、现代教育科学研究的方法和音乐教育的理论与技术，进行音乐教育实践的研究方面，应是当代音乐教师所具备的一项重要的能力。
参考文献：
[1]陈奇猷.吕氏春秋校释[m].上海：上海古籍出版社，1984：85.
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